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  • 干货 | 不同角度的光线对人物的影响

    灯光的角度可以直接对人物的塑造起到巨大的作用,今天我们就来看看,在只有一盏灯的情况下,不同的光线角度对人物塑造会有什么样的影响。首先我们以人物为圆心,先将灯光的高度调整到比人头部略高的位置。大概与地面的夹角为45度。然后沿着顺时针方向移动灯光,为了让视觉区别更加明显,我们在进行灯光角度变化的时候每次增加45度。光线角度当灯光的位置在人物的正面时,可以看到,脸部光线很均匀,没有明显的阴影。可以看到人物的脸部开始出现阴影,并且在有阴影的一侧,形成一个倒三角的光区,这种布光就是常用的伦勃朗光的主光源位置。它可以把被摄者的脸部一分为二,而又使脸部的两侧看上去各不相同,并带有一点戏剧性。主光源位于被拍摄人物的正侧面时,鼻梁的位置将出现明暗交界线,一面亮,一面暗。此种布光方式更利于刻画人物,使鼻梁看上去很坚挺,有很强的戏剧性,对人物的形象有比较强的表现力。这个角度的光线会从后面照亮人脸部的一小部分区域,还是可以依稀看见人物的表情,比较有神秘感。灯光位于180度的位置时,光完全处于人物的背面,照亮头发和肩膀。这时人物的神秘感最强,而且人也处于阴影里,有比较强的气场,拍摄大反派出场时,经常使用这种角度。225度、270度、315度对应的分别是135度、90度、45度,跟之前的演示一样,只是照射的方向不同而已。因为一般人的左右脸有很大的差别,比如渣哥的左脸和右脸相比,显得相对成熟。所以我们需要根据人脸的不同特点,来确定灯光的位置和拍摄的角度。这里的角度只是一个参考,大家可以根据不同类型的片子和人物的脸部特点来进行调整。光线高度光线的高度也是影响造型的一个关键因素。比如同样是正面拍摄,灯光的高度很低时,人的脸部会产生恐怖狰狞的效果。而灯在比较高的地方时,脸部和鼻子下面有一个小范围的蝴蝶形阴影。这使得脸部具有了一定的层次,并且能很清楚的看清演员的所有表情,这种光就是比较常用的派拉蒙光,或者叫蝴蝶光。百闻不如一见,百见不如一拍!学会这些技巧以后难道不想亲手试试吗!新快猫学院 · 线下实训从零基础到自由创作,面对面帮你快速提升影视实战技能,还有更多优惠哦!↓↓↓↓点击课程图片,了解更多优惠↓↓↓↓扫描二维码关注“新快猫学院小豆渣”微信咨询线下实训课程或拨打咨询电话17601029998

  • 伍迪·艾伦向马逊影业提出诉讼,Adobe公司获技术类大奖 | 一周影讯

    这是摄影笔的第二十期“一周影讯”(2月4日-2月10日)看电影也关注电影背后的故事 2月4日综艺报道 一睹2019年奥斯卡大合照See the Oscar Class Photo of 2019美国电影艺术与科学学院的理事会周一举行了一年一度的奥斯卡提名者午宴和全体大合影,今年的奥斯卡提名者都聚集在这里。This year’s Academy Award nominees gathered Monday for the annual Oscar nominees luncheon and class photo, hosted by the Academy of Motion Picture Arts and Sciences’ board of governors. 许多明星出席了在比佛利希尔顿酒店举行的活动,包括今年的最佳女演员提名者格伦·克洛斯、Lady Gaga、雅丽扎·阿帕里西奥和梅丽莎·麦卡锡。以及她们的男同行克里斯蒂安·贝尔、拉米·马利克、布莱德利·库珀、威廉·达福和维戈·莫滕森。A number of stars attended the event held at the Beverly Hilton Hotel, including this year’s best actress nominees Glenn Close, Lady Gaga, Yalitza Aparicio, and Melissa McCarthy, as well as their male counterparts Christian Bale, Rami Malek, Bradley Cooper, Willem Dafoe, and Viggo Mortensen. 其他提名者还包括艾米·亚当斯、萨姆·艾略特、玛赫萨拉·阿里、玛丽娜·德·塔维拉、理查德·e·格兰特、雷吉娜·金、萨姆·洛克威尔和蕾切尔·薇兹。被提名的奥莉维亚·科尔曼、“石头姐”艾玛·斯通、亚当·德赖弗未出席。因原创歌曲提名的“喇嘛”肯德里克·拉马尔也未出席。Other nominees in the crowd included Amy Adams, Sam Elliott, Mahershala Ali, Marina de Tavira, Richard E. Grant, Regina King, Sam Rockwell, and Rachel Weisz. Nominees who didn’t show up include Olivia Colman, Emma Stone, Adam Driver, and Kendrick Lamar, who’s up for original song. 第91届奥斯卡颁奖典礼将于2月24日举行,颁奖典礼将于美国时间下午5点/8点在美国广播公司(ABC)直播,预计将在全球225个国家和地区播放。The 91st Oscars will be held on Feb. 24, and the ceremony will air live on ABC at 5 p.m. PT/8 p.m. ET. It is expected to be viewed in 225 countries and territories worldwide. 2月5日IndieWire报道奥斯卡新影后布里·拉尔森向老影后“大表姐”詹妮弗·劳伦斯“求救”!Jennifer Lawrence Gave Brie Larson a Reality Check After Oscar Win: ‘It Changes Nothing’26岁就获得奥斯卡奖对任何演员来说都是一项重大的成就,但布里·拉尔森说,这项荣誉让她感到难以置信的脆弱。在拉尔森的新作《惊奇队长即将上映之前,她接受了InStyle的采访,在接受采访时,她回顾了自2016年凭借《房间》一片中广受好评的表演赢得最佳女演员以来的经历。拉尔森说,那次获奖没有给她任何肯定感,所以她向她的朋友、奥斯卡奖得主詹妮弗·劳伦斯寻求建议。Winning an Oscar at 26 years old is a major achievement for any actor, but Brie Larson says it was an honor that left her feeling incredibly vulnerable. In a new interview with InStyle ahead of the release of Larson’s upcoming tentpole “Captain Marvel,” the actress looks back at the aftermath of winning Best Actress in 2016 for her critically acclaimed performance in Lenny Abrahamson’s “Room.” Larson said the victory gave her no sense of validation, so she turned to her friend and fellow Oscar winner Jennifer Lawrence for advice. 拉尔森提到,2016年她赢得奥斯卡奖后的早晨她与劳伦斯进行了电话交流。“我当时的反应是,‘我觉得没什么不同。我没感觉自己更好了。我还是觉得自己不是一个好演员。'” “她这样说‘哦,是的。’这是完全正常的。我也有过同样的经历。别那样想。就像,你获得了博士学位,你获得了认证;就是这样。它不会改变任何东西。你还是会搞砸的,就像“每一个法官都是普通人”一样。 “I was like, ‘I don’t feel any different. I don’t feel better about myself. I still don’t feel like I’m a good actress,'” Larson said about her phone conversation with Lawrence the morning after the 2016 Oscars. “She was like, ‘Oh, yeah. That’s totally normal. I’ve had the same thing. Don’t think of it like that. Think of it as, like, you got your Ph.D. You’re certified; that’s it. It doesn’t change anything. You can still fuck up. Every judge is still human.’” 拉尔森说,大表姐的建议是一个非常必要的提醒,让她回到了现实中来,集中精力继续从事有意义的项目。2013年,年仅22岁的大表姐凭借《乌云背后的幸福线》获得奥斯卡最佳女演员奖,这使她成为该奖项有史以来第二年轻的获奖者。自从获得奥斯卡金像奖后,拉尔森出演了《金刚:骷髅岛》和《惊奇队长》等大片。并执导了自己的故事片《独角兽商店》,这是网飞最近推出的一部小制作影片。Larson said Lawrence’s advice was a much-needed reality check that brought her back down to earth and centered her drive to continue working on projects that are meaningful. Lawrence won Best Actress for “Silver Linings Playbook” in 2013 when she was only 22 years old, which made her the second youngest performer to ever win the category. Since winning her Academy Award, Larson has gone to star in major studio efforts like “Kong: Skull Island” and “Captain Marvel” and direct her own feature, the recent Netflix pick-up “Unicorn Store.” 当被问及她在《惊奇队长》中的角色时,拉森说:“得到这部电影的角色是我所能要求的最大最好的一次机会。”这是我的“超能力”。这可能是我表现激进的一种形式:拍一部可以在世界各地播放的电影,比我个人能去到的地方还要多。When asked about her role in “Captain Marvel,” which makes Larson one of the primary figures in the Marvel Cinematic Universe moving forward, Larson said, “The movie was the biggest and best opportunity I could have ever asked for. It was, like, my superpower. This could be my form of activism: doing a film that can play all over the world and be in more places than I can be physically.” 2月6日IndieWire报道圣丹斯电影节获奖影片《她的马拉松》定于夏季北美上映Sundance Winner ‘Brittany Runs a Marathon’ Set for Summer Release, Says Star Jillian Bell 圣丹斯电影节观众奖得主《她的马拉松》有望在夏末热播。亚马逊在1月30日以1400万美元的价格获得了这部喜剧片的版权。周三,影星吉利安·贝尔告诉IndieWire,她听说亚马逊正在考虑在8月发行这部喜剧。Sundance Audience Award-winner “Brittany Runs a Marathon” is poised to become a late summer hit. Amazon acquired the rights to the comedy for $14 million January 30, and on Wednesday, star Jillian Bell told IndieWire that she heard the distributor was looking at an August release. 贝尔在电视评论家协会的新闻发布会上说:“和亚马逊工作室一起,我们已经找到了最好的合作伙伴。”“能与他们一起前进,这让我们有点失去理智 。”“We’re with Amazon Studios now, and we couldn’t have asked for better partners,” Bell said at the Television Critics Association press tour, where she was on hand to present Fox’s new animated comedy “Bless the Harts.” “We all lost our minds a little bit at one in the morning, finding out that we were moving forward [with them].” 《她的马拉松》 由Paul Downs Colaizzo编剧并导演,贝尔在片中饰演一位参加长跑的年轻女子。配角包括Michaela Watkins, Utkarsh Ambudkar, Lil Rel Howery, Micah Stock和Alice Lee。此次收购是亚马逊在今年电影节期间达成的几笔重磅交易之一,另外还包括“Late Night”和《酷刑报告》的数百万美元交易。“Brittany Runs a Marathon,” written and directed by Paul Downs Colaizzo, features Bell as a young woman who takes on a very long race. The supporting cast includes Michaela Watkins, Utkarsh Ambudkar, Lil Rel Howery, Micah Stock, and Alice Lee. The acquisition was one of several blockbuster Amazon deals made during this year’s festival, including the multi-million-dollar purchases of “Late Night” and “The Report.” 回顾她在圣丹斯的经历,贝尔说:“这是美妙而难以承受的,所有你希望的事情在这里发生。我很幸运带了很多家人一起来,我做了很长一段时间的媒体工作,认识了不同的人,又和演员们在一起了——这听起来很老套,但真的很特别。这是一部非常特别的电影,我很高兴人们能看到它。Looking back at her experience at Sundance, Bell said that “it was wonderful and overwhelming and all the things you’d hope it would be. I was fortunate enough to bring a lot of my family with me, and I had these really long days of doing press and just meeting different people and being there with the cast again — this sounds corny but it was truly special. It was a really special film that I’m excited for people to hopefully go out and see.”《Bless The Harts》的主创艾米丽·斯皮维在《周六夜现场》和贝尔合作编剧后选择了贝尔。当被问及对此有何评论时,亚马逊的一名代表表示,《她的马拉松》的发行日期尚未得到确认。“Bless The Harts” creator Emily Spivey cast Bell after they worked together as writers on “Saturday Night Live.” When asked for comment, an Amazon representative said a “Brittany Runs a Marathon” release date is not confirmed. 2月7日IndieWire报道伍迪·艾伦已向亚马逊影业提起6,800万美元的诉讼Woody Allen Sues Amazon Studios for $68 Million Over Terminating Film Deal伍迪·艾伦已向亚马逊影业提起6,800万美元的诉讼。这位导演声称,由于被控性行为不当,该公司退出了多部电影的交易。艾伦的养女迪伦·法罗一直指控艾伦在她小时候性骚扰她。艾伦在针对亚马逊的诉讼中称这些是“25年前的毫无根据的指控”。Woody Allen has filed a $68 million suit against Amazon Studios. The director alleges the company has backed out of a multi-picture film deal because of the allegations of sexual misconduct against him. Allen’s adopted daughter Dylan Farrow has long accused Allen of molesting her when she was a child. Allen called the claims “a 25-year old, baseless allegation” in his lawsuit against Amazon. 除了退出交易,艾伦还声称亚马逊拒绝发布《纽约的一个雨天》。这部由赛琳娜·戈麦斯、艾丽·范宁和蒂莫西·沙拉梅特主演的电影。该片拍摄完成已经六个多月了。据艾伦称,亚马逊没有给他任何关于这部电影没有上映的具体原因。IndieWire已与亚马逊工作室取得联系以寻求进一步的意见。本次诉讼是在纽约南区提起的。In addition to backing out of the deal, Allen also alleges Amazon is refusing to release “A Rainy Day in New York.” The movie, starring Selena Gomez, Elle Fanning, and Timothée Chalamet, has been finished for over six months. According to Allen, Amazon has not given him any specific reasons why the film has not been released. IndieWire has reached out to Amazon Studios for further comment. The lawsuit was filed in the Southern District of New York. 艾伦最初与亚马逊工作室签订了五部电影的协议。发行的影片包括《咖啡公社》和《摩天轮》。作为协议的一部分,艾伦的《纽约的一个雨天》原计划成为下一部电影,但正如去年夏天报道的那样,由于受到对艾伦的指控,这部电影被亚马逊无限期搁置。在“MeToo”时代发行一部艾伦导演的电影可能会给发行商带来麻烦。早在《摩天轮》原定于纽约电影节首映时,亚马逊就取消了红毯,据报道是为了避免争议。Allen originally signed a five-picture deal with Amazon Studios. The releases have included “Cafe Society” and “Wonder Wheel.” Allen’s “A Rainy A Day In New York” was set to be the next movie as part of the deal but, as reported last summer, was shelved indefinitely by Amazon because of the allegations against Allen. Releasing an Allen-directed movie in the #MeToo era could pose problems for the distributor. Back when “Wonder Wheel” was set to premiere at the New York Film Festival, Amazon canceled the red carpet to reportedly avoid controversy.2016年9月,亚马逊还支持了艾伦的有限电视剧《六场危机》。艾伦的指控去年再次浮出水面后,《纽约的一个雨天》剧组成员沙拉梅特宣布,他将把自己的薪水捐给《时代》周刊、RAINN以及其他反对性骚扰和性虐待的组织。Amazon also backed Allen’s limited television series “Crisis in Six Scenes” in September 2016. After the allegation against Allen resurfaced last year, “A Rainy Day In New York” cast member Chalamet announced he would be donating his salary to Time’s Up, RAINN, and other organizations who fight against sexual harassment and abuse. 2月8日IndieWire报道 艾伦·佩奇炮轰“星爵”克里斯·普拉特支持“臭名昭著的反对LGBTQ教会”Ellen Page Calls Out Chris Pratt for Supporting ‘Infamously Anti-LGBTQ Church’ 艾伦·佩奇在发给她的140万Twitter粉丝的社交媒体帖子中对克里斯·普拉特大加抨击,批评他参与了一个“臭名昭著”的Anti-LGBTQ教会。普拉特2月7日出现在CBS电视台的《深夜秀》节目中,宣传他的动画续集《乐高大电影2 》,节目中他对主持人斯蒂芬·科尔伯特说,他最近的一次斋戒源于他的宗教启发。Ellen Page put Chris Pratt on blast in a social media post sent to her 1.4 million Twitter followers that criticized his involvement with an “infamously” anti-LGBTQ church. Pratt appeared on the February 7 edition of CBS’ “The Late Show” to promote his animated sequel “The Lego Movie 2: The Second Part” and spoke to host Stephen Colbert about a recent fast he did that was inspired by his religion. 普拉特认为自己是无教派的基督徒。这位男演员所在的教堂希尔松因不“肯定”LGBTQ的生活方式而成为头条新闻。在2015年8月发布的一份声明中,希尔松全球牧师Brian Houston表示,他“坚持传统的基督教关于同性恋生活方式和同性婚姻的思想”,“上帝的话很清楚,婚姻是一男一女之间的事。”Pratt identifies as a non-denominational Christian. The actor’s church, Hillsong, has made headlines for not “affirming” the LGBTQ lifestyle. In a statement released in August 2015, Hillsong global pastor Brian Houston said he “holds to traditional Christian thought on gay lifestyles and gay marriage” and that “God’s word is clear that marriage is between a man and a woman.” “希尔松教堂欢迎所有的人,但不肯定所有的生活方式,”声明写道。“明确地说,我们不肯定同性恋的生活方式,正因为如此,我们没有明知故犯地让积极的同性恋者担任领导职务,无论是有偿的还是无偿的。”我承认,这一说法本身就令讨论双方的人感到不安,这表明全球教堂面临的问题十分复杂。“Hillsong Church welcomes ALL people but does not affirm all lifestyles,” the statement reads. “Put clearly, we do not affirm a gay lifestyle and because of this we do not knowingly have actively gay people in positions of leadership, either paid or unpaid. I recognise this one statement alone is upsetting to people on both sides of this discussion, which points to the complexity of the issue for churches all over the world.” 2月8日综艺报道Cutting Edge,Endurance两家公司因安吉丽娜·朱莉的《远走高飞》成为搭档(独家)Cutting Edge, Endurance Partner on Angelina Jolie’s ‘Come Away’ (EXCLUSIVE)Cutting Edge已经与史蒂夫·理查兹的Endurance Media签署了一项新的融资协议,将为Endurance Media接下来的三部电影提供音乐版权,其中包括安吉丽娜·朱莉的《远走高飞》。Cutting Edge Group has signed a slate financing deal with Steve Richards’ Endurance Media for music rights on Endurance’s next three films, starting with Angelina Jolie’s “Come Away.” 这部由大卫·奥伊罗主演的电影是前传。故事发生在爱丽丝去仙境之前,彼德成为“彼德·潘“之前,彼德和一对兄妹生活在田园般的童年,父母是杰克和罗斯(奥伊洛沃和朱莉饰),哥哥是大卫。命运将他们的游戏——茶会、海盗和迷失男孩——颠倒过来,为他们标志性的仙境和梦幻岛之旅奠定了基础。The film, which also stars David Oyelowo, is a prequel story. It’s set before Alice went to Wonderland, and before Peter became Pan, with a brother and sister who live an idyllic childhood with parents Jack and Rose (Oyelowo and Jolie) and older brother David. Fate turns their games of tea parties, pirates and lost boys upside down, setting the stage for their iconic journeys into Wonderland and Neverland.CEG之前曾与理查兹合作,担任过Silver Pictures的联合总裁《空中惊魂》、《Unknown》、《绝命反击》和《孤儿怨》的执行制片人。在柏林电影节上公布的合作伙伴关系,包括CEG提供音乐服务,包括音乐监督,歌曲清算,乐谱监督和其它音乐管理服务,并获得电影的音乐出版权。CEG has previously worked with Richards in his role as co-president at Silver Pictures and as executive producer on “Non-Stop,” “Unknown,” “The Losers” and “Orphan.” The partnership, unveiled at the Berlin Film Festival, involves CEG providing music services including music supervision, song clearances, score supervision and other music admin services and acquiring the music publishing rights of the film. Cutting Edge首席执行官菲利普·莫洛斯说:“在与Endurance Media有过一段成功的合作关系后,我很高兴能再次与其合作,当然还有该公司的首席执行官史蒂夫·理查兹。”在过去10年里,史蒂夫创作的电影一直价值很高,是高质量的电影,这是市场想要的。Phillip Moross, CEO of Cutting Edge, said, “After having a successful prior relationship, I’m pleased to work again with Endurance Media, and of course the company’s principal Steve Richards. For the last 10 years, the films Steve has created have been a blessing and are high quality movies, which is what the market wants.” 2月10日综艺报道美国电影艺术与科学学院的科学技术奖奖项揭晓!荣誉授予动画、面部捕捉技术和Adobe公司Academy’s Sci-Tech Awards Honor Motion Graphics, Facial Capture Technology, Adobe在今年奥斯卡颁奖典礼之前,美国电影学院科学技术奖证明了一场无争议并且令人愉快的颁奖典礼是有可能存在的。Ahead of this year’s hostless Oscars, the Motion Picture Academy’s Scientific and Technical Awards, held Saturday night, proved it was possible to have an uncontroversial, enjoyable ceremony…complete with an emcee. 科学技术奖是为了表彰电影行业中很少出现在镜头前的技术创新者。当晚的颁奖典礼主持人、演员大卫·奥伊罗保持了轻松的气氛,他称赞科技奖颁奖典礼的气氛胜过奥斯卡奖 。The Sci-Tech Awards honor technological innovators from the film industry who are rarely seen in front of the camera. The evening’s master of ceremonies, actor David Oyelowo, kept the mood light by lauding the tech award show over the Oscars and connecting with the honorees over the common mispronunciation of their foreign last names. 颁奖典礼于2月初在贝弗利威尔希尔宴会厅举行,表彰了在动态图像、动画编辑和面部捕捉技术方面的创新者。几乎每一部CGI大片都有特效,比如《阿凡达》《复仇者联盟:无限战争》和《星球大战:原力觉醒》。漫威粉丝们要感谢美杜莎的表演捕捉系统和Light Stage X 。最广为人知的两款编辑软件Adobe Photoshop和After Effects也获得了奖项。Held at the Beverly Wilshire ballroom on Saturday, the ceremony recognized innovators in motion graphics, animation editing and facial capture technology. Special effects seen in nearly every CGI blockbuster, like “Avatar,” “Avengers: Infinity War” and “Star Wars: The Force Awakens,” would not be possible without these Sci-Tech revolutionaries. Marvel fans can thank the Medusa Performance Capture System and Light Stage X for the realistic faces on Thanos and the Hulk. Adobe Photoshop and After Effects, two of the most recognizable editing softwares, also took home Academy plaques.皮克斯联合创始人、前总裁艾德·卡姆尔因3D动画中的细分曲面赢得了一个奖项 。他丰富了动画电影中的人物形象,比如《赛车总动员》中的闪电麦昆和《飞屋环游记》中的老爷爷。如果没有卡姆尔的创新,这些角色看起来就不会那么流畅和逼真。Ed Catmull, co-founder and former president of Pixar, took home a plaque for subdivision surfaces in 3D animation. He pioneered the way characters look in animated movies. Lightning McQueen in “Cars” and Russell from “Up” would not look as smooth and lifelike without Catmull’s work. 卡姆尔告诉《综艺》杂志:“我们正在做的事情是如此非凡和惊人,以至于世界上大多数人都在关注它,甚至没有想过它是什么。”“随着这个行业的变化,能成为其中的一员真是太棒了。”我们在这里所做的事情影响着世界各地的人们,不仅仅是在故事中,而且激励着年轻人去关注技术和编程,并意识到这背后有一些非常深刻的东西。“We’re doing things that are so phenomenal and amazing that most of the world looks at it and they don’t even think about what it is,” Catmull told Variety. “It’s been amazing to be a part of this industry as it’s changed. What we do here affects people around the world, not just in the stories, but inspiring young people to look at technology and programming and realize there’s something pretty deep behind this.”

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    对于任何一部电影来说,开场镜头就好像打开光影世界大门的钥匙,引领观众开启电影之旅。 《返始:开篇与结尾》来自新快猫创作人:FootnoteCut 可以说,一部电影能否在一瞬间抓住观众的眼球,和观众产生良好的化学反应,开场镜头扮演着重要的角色。厂长此前在采访伊朗导演马基德·马基迪时,大师也多次强调电影开场的重要性。(采访回顾)下面便来说说电影开场镜头的十种典型手法。1首尾呼应这应该是最司空见惯也最简单粗暴的开场镜头手法,电影史上经典的首尾呼应电影数不胜数。早期有著名西部片导演约翰·福特的传世之作《搜索者》,影片以一位女性为视角打开大门的门廊镜头为开始,以约翰·韦恩饰演的主角埃森落寞的走出大门的门廊镜头为结束,两个镜头前后呼应,并形成巨大的落差,诠释了男主角埃森在经历复仇之旅的孤独内心。影片对于门廊镜头的划时代应用也成为后来电影人争相学习模仿的对象。《搜索者》中经典的门廊镜头首尾呼应到了21世纪,一部来自科恩兄弟的《醉乡民谣》对首尾呼应的手法进行了更深一步的探索,《醉乡民谣》所呈现出来的开头即是结尾,结尾即是开头的叙事手法和结构,必将成为下一个经典。《醉乡民谣》中极致的开头结尾浑然一体2镜头对准主角又一个在现代几乎被泛滥式使用的开场镜头手法,这种手法的好处在于可以第一时间拉近观众和电影的距离,让观众和主角一开始就面对面,加强观众对电影的代入感。另外,把镜头对准主角也有利于电影故事的自然展开,总领全篇。而对于此类手法最常见的应用是以某个著名人物为主角的记传体剧情长片。电影史上最经典的对准主角的开场镜头之一莫过于由马丁·西科塞斯执导罗伯特·德尼罗主演的《愤怒的公牛》。《愤怒的公牛》中悲情的拳手影片的一开场便以一个几乎静止的镜头来展示这位由罗伯特·德尼罗饰演的意大利裔传奇拳击手杰克·拉莫塔,并在构图中刻意的把主角放在画面的左侧,加上在黑白光影中都可以清晰感受到的昏暗灯光,一个拳击手在擂台上肆意的挥舞,为影片打下了悲情英雄的基调。同样出彩的还有来自韩国导演奉俊昊的《母亲》,影片的开场由金惠子饰演的母亲在一片长满枯黄野草的偏僻荒凉的无人区有气无力的跳着不知名的舞蹈,展示了这位母亲孤寂无力的苍白内心和对于美好生活的一丝幻想。《母亲》中独舞的母亲3镜头对准暗示物一切物语皆情语。几乎所有的观众在看到电影开长镜头的一瞬间,都会在心里开始思考这部电影接下来将要讲诉的故事和揭示的寓意。而将镜头对准某样事物,某种景色,或者回环曲折的描述某样物体的全貌,就是为了刺激观众去思考,或者给观众留下一丝疑问。这算是开场镜头比较高明的手法,因而实际应用起来也往往能够达到奇效,尤其在一些心理惊悚类电影中有着出色的应用。典型的如《搏击俱乐部》,影片一开场便用一个长镜头不停地给观众展示着某种不知名的物体,让观众感到不解,直到镜头的结尾观众才恍然大悟这是从内之外的微观人体,用来展示主角惊恐的面部表情。《搏击俱乐部》中的微观人体暗示而到了诺兰手里,在诺兰的多部电影如《致命魔术》和《记忆碎片》中,都会选取故事中某个带有线索性质和暗示意味的事物作为影片的开场,而观众也会在观看电影的过程中慢慢了解这些线索和暗示所隐藏的故事内涵。《致命魔术》中的礼帽《记忆碎片》中的照片4定场镜头在影片的开场使用定场镜头,好处多多。一方面定场镜头交待了故事发生的地点,一方面定场镜头通常都有宽阔的远景,镜头感和画面感十足,对观众有较强的吸引力。同时定场镜头还能够交待故事发生的时代背景,为全片定下基调。电影史上有很多经典的电影都用定场镜头作为影片的开场,典型的如《现代启示录》中对于残酷越南战场的描绘,尘土飞扬中一片茂密的热带雨林,忽然间火光冲天,伴随着直升机轰鸣的螺旋桨,一下子就把观众带入了战火滔天的战场中。《现代启示录》中的战场《这个杀手不太冷》中同样使用了定场镜头并结合航拍技术交待了故事的发声地点《这个杀手不太冷》中的里昂5倒叙一般意义上,开场镜头所要描述的都是电影故事的开端,不过就好像文学中记叙文叙事手法有倒叙一说一样,电影的开场镜头也存在着倒叙。影片会刻意地截取故事发展中期的某一个片段放在开场,至于以后的故事这慢慢过渡到这个片段,并交待该片段的后续故事,颇有一种曲径通幽的意味。这种手法的好处在于可以丰富影片的故事结构,创造更多的戏剧冲突和张力,另外也有利于调动观众的思维,使观众不至于因为剧情简单易懂而感到乏味。其中,诺兰的《盗梦空间》便是这一手法的典型代表。《盗梦空间》中的倒叙《盗梦空间》的开场镜头直接跳到了整个影片故事的末期,莱昂纳多·迪卡普里奥饰演的男主角在海滩上昏迷之后被发现,并被带到了其盗梦对象的面前。接下来画风一变镜头一转,则正式开始影片的故事。观众脑海中一直都留有悬念,而这种悬念随着故事的层层推进慢慢被揭开。6走向太空太空题材电影可以算是世界电影史上一次巨大的飞跃,不仅因为太空题材电影促进了电影工业技术的发展,更丰富了电影的表现形式,延伸了人类天马行空的想象力。太空题材电影的出现也促使了电影开场镜头的变革,不仅很多太空题材电影如《星球大战》《地心引力》等在开场时把镜头对准未知的太空,描绘地球之外的壮阔宇宙。现在看来仍然有巨大意义的莫过于罗伯特·泽米吉斯1997年的《超时空接触》。影片的开场以地球为索引,依次以太阳为中心点依次从太阳系延伸到银河系乃至整个宇宙,何其深邃而辽阔!《超时空接触》中的太空视角而在很多非太空题材电影中也会使用开场镜头来描绘太空,比如艾曼纽尔·卢贝兹基的摄影代表作《生命之树》。《生命之树》毋庸置疑是一部思考生命探寻生活意义的佳作,影片的开场镜头由太空中闪耀变换的光团逐步过渡到小女孩的单纯视角,镜头有致敬库布里克神作《2001太空漫游》的意味,更将影片对于生命生活的思索由地球拔高到宇宙的视角,完成了由人生观到世界观到宇宙观的转换,一下子升华了影片的主题。《生命之树》中的太空7黑白镜头还记得侯孝贤导演《刺客聂隐娘》开场的那个黑白镜头吗?通过这个镜头可以看出侯孝贤导演在镜头语言方面的非凡创造力,黑白镜头给观众一种复古的情调,渲染了一种浓厚的历史氛围,又展示了舒淇饰演的刺客聂隐娘高超的刺杀本领,色调上的变化也隐晦地暗示出聂隐娘孤苍白的内心世界。《刺客聂隐娘》中的黑白镜头语言基本上开场黑白镜头的好处全部在《刺客聂隐娘》中展现的淋漓尽致:历史感,渲染气氛,角色表达,引起观众共鸣。8静止镜头不太常用也不太常见的开场镜头手法,毕竟相对于运动镜头,静止镜头在镜头语言的表达上有很多的局限性。选择用静止镜头,即固定摄影机进行拍摄,通常意义上都和电影故事的需要撇不开关系。对于那种生活化题材贴近现实的电影来说,静止镜头是一个非常不错的选择,静止镜头所独有的纪录片质感和化繁就简的叙事风格,在描述平凡人物方面有着奇效。《横道世之介》中简约而不简单的静止镜头《横道世之介》便是一个有利证据,影片的开场的三分多钟全部由几个静止镜头组成,相对于镜头的静止是人群的走动,交通工具的运行,而主角便在这种动静结合中自然而然地出现在观众的视线中,与影片简单自然质朴的风格相得益彰。9长镜头选择长镜头作为开场镜头,这大概是电影史上用得最频繁也是经典频出的手法,没有之一。提到长镜头,不得不说传奇导演奥逊·威尔斯1958年的《历劫佳人》,被誉为影史上最经典的长镜头之一,也是影史上最伟大的开场长镜头,没有之一。开头长达3分20秒的长镜头无论是对于光影的调度,还是对于镜头语言的拓展,都超越了时代的局限性。《历劫佳人》的影史经典场长镜头侯孝贤导演1998年的《海上花》中开场的长镜头同样美轮美奂,从服装到布景,从灯光到镜头。《海上花》的美轮美奂长镜头2015年萨姆·门德斯导演的《007:幽灵党》虽然整体观影效果不如上一部《007:大破天幕杀机》,不过影片开场长达十多分钟的长镜头也是节奏紧凑,行云流水,让人血脉喷张。《007:幽灵党》的行云流水长镜头10黑屏来自电影史上最伟大的“上帝”斯坦利·库布里克的《2001太空漫游》,关于《2001太空漫游》开场的黑屏,众说纷纭。有人认为这种黑屏是当时时代的产物,黑屏的时间刚好是观众入场的时间,有人认为这是导演库布里克刻意而为之,把黑屏巧妙地和影片的主题结合在一起。不管你相信哪种说法,都无法妨碍在后来发行的《2001太空漫游》各种版本的电影中都保留了这段黑屏。《2001太空漫游》众说纷纭的黑屏- End -

  • 电影航拍 | 《流浪地球》被冰封的上海

    由郭帆导演,根据刘慈欣同名小说改编的科幻电影《流浪地球》于 2 月 5 日大年初一上映。此前的点映不仅口碑爆棚,更在影迷中出现了“中国科幻电影新纪元”的呼声。导演:郭帆原著:刘慈欣上映日期: 2019-02-05(中国大陆)硬核科幻的视觉盛宴对于科幻片来说,高概念、大格局、视觉效果的呈现犹为重要,《流浪地球》竭力为观众呈现出了一场想象奇伟、画面瑰丽的视觉盛宴。《流浪地球》终极版预告片如同电影里为了拯救地球视死如归的主角们一般,现实中的主创团队也不计回报地倾尽全力——从 3000 张概念设计图到 8000 张分镜头画稿、10000 件道具、100000 延展平米实景搭建——这份夸父追日的坚持,成就了这样一部具有里程碑意义的作品。《流浪地球》预告片截图太空奇观、冰封世界、地下城市……我们在大荧幕上看到了一场又一场惊心动魄的旷世灾难,奇观带来的不仅是观感上的刺激体验,更让角色们在末日的负隅抵抗显得浪漫而悲壮。由于科幻场景无法通过拍摄实景的方式实现,主创团队不得不进行大量特效制作的工作。大疆传媒此次也十分荣幸,能够参与《流浪地球》项目,为特效制作提供了部分航拍素材,并为上海的场景采集了部分建筑及街道的材质*。需要采集材质的五栋目标建筑物航拍角度示意不同于往常的航拍需求和我们之前参与的航拍项目有所不同,大疆传媒此次是为《流浪地球》的后期视效部分,拍摄绿幕的背景航拍画面,用无人机采集上海街道和建筑模型贴面的材质。这次我们用的设备同样是“悟” Inspire 2 搭载禅思 Zenmuse X7 云台相机。绿幕背景画面的航拍需要贴合被摄主体的镜头运动,我们要模拟地拍摄影机的运动轨迹,不断调整“悟” 2 的速度和云台的角度才能高度贴合。与剧组的视效团队沟通在上海的街道采集素材同时,我们一共有 3 天的时间采集上海的5 栋标志性建筑和4条街道。由于时间紧迫,我们在出发之前与制片方进行了详尽的沟通,并做出了 3 天的拍摄计划,尽量以最高效率完成拍摄任务。被冰封的上海在楼宇之间争分夺秒天公不作美,我们第一天上午的拍摄因下雨和浓雾而无法进行,我们在这几个小时调整了行程和拍摄计划。笼罩在浓雾里的建筑物由于一栋楼要拍八个面,而其中有三栋楼紧挨在一块,我们在选起飞点的时候,既要保证能够拍到一栋楼的面,还要保证拍到另外两栋楼的一些面,这样才能最大程度地节省时间。我们计划尽量在最少的起飞点上,拍到最多的面。现场手绘的拍摄示意图所幸,中午时分开始放晴,我们立刻恢复拍摄。“悟” 2不停地在楼宇间穿行,飞上去拍完,下来换上电池又飞上去,无人机几乎没有停过。被拍摄的三栋大楼拍摄的三天时间里,航拍团队整理了一万多张拍摄素材。《流浪地球》这部电影,从开机到上映共有 7000 多名工作人员参与,而大疆传媒能有机会为这部电影提供支持,深感荣幸。与剧组工作人员的合作,也让我们感受到了他们对工作的严谨认真。在荧幕上每个细节的呈现,都是夜以继日雕琢打磨的结果。如《流浪地球》观众评价所说,2019 年将成为“中国科幻元年”。具备了出发的决心和勇气,能够抬头仰望星空,书写我们自己的科幻史诗。* 本次拍摄已进行空域申报,为合法合规飞行。

  • 上周最受欢迎的十部作品 | 新快猫周榜单

    新快猫周榜单是由新快猫社区推出的一项作品榜单。我们通过统计站内外各项数据综合得出排名,精选出每周社区里最受欢迎的10部作品,推荐给大家,让你不落下每一支好片子,也希望好作品能让更多的人看见!新快猫周榜单 | 2.11-2.17上周在新快猫社区,最受观众喜欢的10支作品,有刀光剑影、拳拳到肉,堪比武侠动作大片的广告片,也有温情脉脉的情人节混剪,在精选的短片中,既有感人至深的家庭题材,也有热门电影金曲MV,快来一探究竟吧!1大疆出品短片 | 致命通缉制作方/出品方:DJI大疆创新金盆洗手的美艳女杀手与曾让她为其卖命,如今却要取她性命的上级展开了一场殊死搏命逃杀打斗场景心惊肉跳,故事情节引人入胜高超的摄影技巧与张弛有度的剪辑手法烘托出创作人的专业水准将广告拍出了大片质感2【情人节混剪】最爱的那个故事,只为一个读者而写剪辑:百万剪辑狮有人说真爱是从出生时就被分离的灵魂他们为了找寻另一半,而在人间行走你每天都有会跟别人擦肩而过,但你们对彼此一无所知于是你遇到千百个人,他们都是匆匆过客直到那个人的出现,改变了你的生命......提炼数十部电影中感人至深的对白,并将其剪成令人惊艳的短片很难但百万剪辑狮从不会让我们失望3宿建德江 建德市旅游形象片导演/剪辑/摄影:程方和程晓移舟泊烟渚,日暮客愁新。野旷天低树,江清月近人。“宿”字,本意为“停泊、留宿”这一“停”与“留”,便在此处驻留了千年大慈岩还未落下银杏叶,缭绕江面的雾气还在奔涌起伏云彩依旧生长在七里扬帆的山峦间宣传片到极致,便是让人看过之后再也难以忘记这座城市并迫不及待想要一睹它的风姿4《SEPHORA : Concept store》广告片特效:Locus Studios还在为想要拍摄不同风格而冥思苦想?快来观赏顶级特效吧!每一帧的华丽繁复,江河湖海,山川星辰将光影变幻完善到极致蝴蝶蹁跹,鱼儿穿梭游戈以无物造万物让人不得不沉溺在这鬼斧神工当中5KIEHL'S 高保湿霜 刘昊然冰岛篇导演/策划/制片人:王砺珉我想选一条没有捷径的路一步步,稳稳地走这就像极限挑战,但真实的强者不为环境左右沉稳不躁,才能抵达镁光灯照不到的峰顶这部广告片拍摄于极净之土——冰岛选择男演员也打破了化妆品行业广告拍摄的传统在冰岛特殊的气候环境下,被长居此地的大风吹拂着拍出如此令人惊艳的短片实属不易6影的告别制片人/导演/编剧:龚继伟 调色:夏天旻_Timek 摄影指导:李峥每个人内心深处,一定都有想要藏起来的秘密那些不想被人知道的绝望或喜悦有倔强,有不甘心有努力后不被认可,失败后不被理解的委屈甚至有一些连我们自己都觉得可怕的念头也许我们都需要一个柜子,用来封存那些难以磨灭的记忆本片荣获多个奖项讲述了创作人内心最想表达的故事你能从中看到自己的影子吗?7电影《流浪地球》宣传曲「星」MV制作方/剪辑/特效:大波浪-DOUBLE LOVE一颗上映前曾不被大众看好的“小破球”如今已经斩获36.96亿票房,并且这个数据还在不断攀升中吴京也因此荣获“京奇队长”、“吴百万”等称号影片中所有人都希望地球早早逃离而当初那个抬头望星星的小男孩,只默默期盼父亲早日归来《流浪地球》宣传曲「星」MV,由杨宗纬深情演唱将电影里的这份深沉的情感传递给大众通过音乐的力量,感受直达心底的那份触动8The view of lofoten出品人/导演/摄影/剪辑:烨烨烨烨烨_有人说,生活是眼前的路是每个清晨傍晚,冒着氤氲热气的一粥一饭而有人却以为,生活永远在远方在远方的巍峨高山,皑皑白雪这部短片将展现给你一幅绝美的挪威航拍画卷现在全屏播放,戴上耳机享受这场视听盛宴吧!9情人节,草间弥生“袋”来幸福监制/制作方:美啦美啦 调色:HOMEBOY 电影数字洗印厂 摄影指导:大米 美术:YETI art studio 监制:Sammi李 导演:吴婷 后期导演:由三曜导演 制片人/策划:蓝色光标数字营销机构来自京东的情人节广告满屏的撞色复古风扑面而来的恋爱气息逐帧动画创意满分也许,这就是恋爱的感觉10《窗花》编剧/导演:李建熙 执行制片:木吉他1999 剪辑:周篱遵循传统热爱剪纸的奶奶,新年前夕一定要把家里贴满窗花从一开始不被理解,到后来全家上阵最令人动容的往往不是情到浓时立下的山盟海誓而是来自生活中最平凡不过,却又最难以忘怀的点滴-end-

  • 《流浪地球》的创作深度与导演浅度 | 附刘慈欣谈科幻文学创作

    拒做文艺青年,认真拉片,从导演角度看电影 文字 弗兰茨设计 弗兰茨后世科幻片,都欠《大都会》。弗里茨·朗在影片里构建的地上与地下两个世界,是对人类的预言。他并不相信心与手可以和解,就像上层与下层、统治者与被统治者间的关系一样。欢迎各位电影er来到“404放映室”,这里是“解读”系列第五期,也是猪年的第一篇文章,这期写一下春节档爆红的电影《流浪地球》的创作和我们可以从刘慈欣的科幻文学中学到什么。首次观影时过多考虑了剧作和情感上的漏洞,走出影院我以为是类似之前看《影》时的那种视效让我不能平静,二刷《流浪地球》后,结合文末附的刘慈欣谈科幻文学创作文章,发觉是原著作者赋予影片超脱人类凡俗的自恋和独特的崇高悲壮震撼到了我。《流浪地球》在科幻世界建构方面颇像电影《湮灭》,为观众设置了一个宏大的世界观,但它没有走形而上的科幻风格,转而聚焦人类这一“渺小”群体在面对“末世”时反常规的精神诉求。它的创作内核像是描写人的悲惨、现实残酷同时又给予观众光芒指引的艺术电影,这一层立意,直接把《流浪地球》带到了超出世界常规科幻片的高度,让电影有了灵魂。之前有了解过刘慈欣的社会学小说《三体》,遗憾没有读过,不过基于电影《流浪地球》的立意与深度,对那些称赞刘慈欣“以一己之力将中国科幻小说提升到了世界水平”的人,我觉得评价不过分。如果《流浪地球》值四星,我会把三星打给原著作者,一星给它对中国电影工业发展的帮助和工作人员的追求与专注。刘慈欣为《流浪地球》设定了一个“世界末日”的主题,在这样一种无可逆转的末日氛围下,直接为影片提供了一层戏剧张力。“末日”主题下的创作通常分为两种,第一种也是最常规的,是在世界末日/人生尽头的情境下让主人公反思自身,进行自我救赎,这一点多出现在西方科幻片,优秀的艺术电影有时也会走这种主题设定。《白日焰火》导演刁亦男的新片《南方车站的聚会》(又名《野鹅湖》/ The goose lake)前段时间随海报一起公布了一段文字,“如果命运注定是场失败,如果崩溃必将到来,我们便尤其赞赏那些自觉选择失败并彻底承担起这一失败的人” 。这种主题创作中,人物角色在悲惨情境下,进行性格转变,承受自己生命选择的轻与重,最终做出彰显爱与光明的事情,进而被歌颂。《南方车站的聚会》海报第二种,即刘慈欣为《流浪地球》设定的创作是反末日、反救赎的,他并没有在末日即将到来的时候选择关注末日,而是利用末日气氛,花大量时间为观众建构在末日里人类独特的悲壮与崇高,关注与第一种完全不同的精神诉求。在一黑一明的对比冲突下,影片的灵魂深度上丝毫不输前者,而在此过程中,又可把情感上升到集体、宏观的视角,赋予影片特有的英雄主义,其高度不言自明。以前对科幻文学有一种刻板印象,提起科幻文学就想到太空、外星人、漫游等,但在文末附的刘慈欣谈科幻文学创作的文章中,刘慈欣让我重新审视了科幻文学与文学、文学与人学的关系,很震撼。文学是人学,似乎已经成了一句近乎于法律的准则,一篇没有人性的小说是不能被接受的。文学的最高层面可以算是作者进入了普世的人们的内心世界,探索挖掘精神层面的东西;反言之,不去探讨人性的都不能称之为有深度的文学类型。刘慈欣的文章给到我的启示是科幻文学将文学的维度丰富了,科幻小说里的世界、价值观、选择判断也是属于人学的一部分,但它们又超出“平凡”的人性,进入到一个全新的空间,给读者全新的感受,这点可以从阅读附文中发掘。在这种体验感下,我开始体验到一些之前从未有过的感受,而随着时间的推移,这种新感受也会成为我看待文学的一部分,丰富我的认知。科幻文学的重要性在于,它可以让我们反过来去反思传统文学、重新理解科幻电影,思考伟大的科幻导演们为什么要这么拍。库布里克为什么要使电影《2001太空漫游》里面的科学家和宇航员全都目光呆滞面无表情,用机器般恒定的声调和语速说话。他仿佛在告诉我们,人在这部作品中只是一个符号,我们应该关注的是人作为一个整体与宇宙的关系。库布里克弱化人性,从一个宇宙的视角、时空来讲,人类完全没必要那么自恋。《2001:太空漫游》海报《流浪地球》在这一点很像电影《登月第一人》里导演达米恩·查泽雷将宇宙的浩瀚跟阿姆斯特朗内心情感结合,导演向观众发出的疑问,太空和人内心究竟哪一个更深邃?不过显然《流浪地球》更关注集体、关注宏观,但由于导演郭帆把控问题,忽视了独立个体的情感线铺叙。相比太空宇宙,人类的生存毁灭,个体发展如何就相形见绌了。这很像我们生活中的相对价值和绝对价值。我们给自己定的月目标、年目标之类的追求一旦与生命、死亡挂钩,就会成为一种无比渺小、甚至失去动力的存在。《流浪地球》编剧创作核心的角度选取了宏观,那么如何把握宏观与叙事过程中个体间的关联、转换就成了最考验导演创作的部分。《流浪地球》有了精神层面的建构,在具体的文本内部却漏洞百出。在一篇写创作真诚的文章里,提到过电影不仅是光影的艺术,还是细节的艺术。细节决定了叙事线,也间接影响情感线。《流浪地球》中导演郭帆在次层主题上选择“亲情”来建立人物关系和表现人物情感,熟悉国产电影套路的观众对此建构大都轻车熟路,如此“老套”的设定在又没有任何创新的前提下,只能使人物趋于平庸。有次跟老师聊起学校校庆宣传片的拍摄,老师的评价让我眼睛一亮,“如果新拍的宣传片在形式、角度上没有基于前一部的独特创新,只是单方面的将面貌设施更新换代予以展现,还不如不拍,完全没必要浪费这个时间精力。”继续深挖影片,在亲情线之下两辈父子关系描写不合格,导演没有在有效时间内为观众建立起一个合格的爷爷、父亲、儿子关系曲线,人物之间缺乏有效互动,情感不足,很难让观众有代入感。同时,母亲这一角色缺位及其所带来的影响十分随意,电影中如果创作者给角色设定成一个没有母亲的前情,人物则会更珍惜来之不易的爱,正因为自己缺乏母爱,所以会更懂得如何去爱一个人。在这部电影里,母亲角色导演不仅没有在叙事上做任何设计,还套了一个因为父亲“抛弃”母亲进而与儿子产生隔阂这样让人失望的处理手法。其他比如人物出场、表演、人物行为和影片情感不对等、缺少转变动机、人物内心世界缺少塑造、人物关系层次感不足、李一一这样一个在后半段起核心作用的人物突然出现等等让人失望的地方,导致即便在有刘慈欣为电影深度做保证的前提下,随着观影的进行,观众内心的感受只会逐渐做减法。还有一点是我非常在意的,优秀的导演在影片放映过程中一定会在思想上领先观众,向观众交代一段关系,给予观众想象,又在观众思考同时用视听语言的技法给出导演的答案,进而让观众在视觉和内心都有一个享受的过程。《流浪地球》有点一味地用画面向观众传输信息,让观众没有思考的时间空间,很累。从影片节奏的把控和适宜留白的选择上,直接反应了一个导演功力的高低。无论如何还是要给予这部电影鼓励,特别是它的原著作者和一群执著专注的电影人。下面是附的一段刘慈欣2015年谈自己科幻文学创作的文章,我觉得很受用,也不班门弄斧了,直接推荐有兴趣的朋友码一下。超越自恋——科幻给文学的机会 | 刘慈欣一没想到有一天能与文学走得这么近,因为直到现在,我也不是一个文学爱好者。人们是从不同的路聚集到科幻这个广场上的,有的出于对文学的热爱,有的则是因为对科学的迷恋。我属于后者。 现在,人类可以在不到一个小时的时间里环绕地球,但我们能看到的最远的星系,光线也要走150亿年;从时间上看,如果把宇宙诞生至今算做一年的话,人类的出现只是最后一秒钟。但在我同文学有限的接触中,一直有一个声音在耳边絮絮叨叨,告诉我只有这灰尘般的地球和人类出现后这弹指一挥的时间值得去表现去感受,其余那广漠的时空都不值得一瞥,因为那里没有人,没有人性,文学是人学。在文学中,由于人性超越一切的吸引力,太阳和其它星辰都是围绕地球转的。如果宇宙是撒哈拉沙漠,只有地球这一粒沙因其上附着的叫人的细菌而成一粒金沙,其余的整个沙漠都可以忽略其存在。太阳的存在只是为了照亮淳朴的田园,月亮的存在只是为了给海边的情侣投下影子,银河系的存在几乎没有必要,好在有个东方的神话用到了它,虽然那对情侣即使以光速跑过鹊桥,也要花十万年时间才能拥抱。所以。文学给我的印象就是一场人类的超级自恋。当然,作为方圆四光年范围内(至少目前能这么确定)的唯一智慧生物,人类是有资格也有权力自恋的,但也有人想体验更多的东西,而不想只把精神局限于宇宙中的一粒灰尘上,包括文学本身,也有一群人在做着超越自恋的努力,而最自觉做出这种努力的文学就是科幻文学。 二科幻文学诞生于19世纪下半叶的欧洲,当时它并没有上面提到的超越意识。玛丽·雪莱的世界第一部科幻小说只是哥特小说的变种。同国内的其他同龄科幻迷一样,我最早接触到的科幻文学也是儒勒·凡尔纳,他的作品也只能把科幻这个生命力勃发的婴儿裹在欧洲探险小说这样陈旧的襁褓中,但透过襁褓,仍能感受到那个婴儿悸动的光芒。在凡尔纳的作品中。人虽然没有退居幕后,但至少站到了舞台的一侧。他笔下的人物性格鲜明,但十分单纯,像一个个色彩醒目的符号,以至于梵蒂冈教皇称他的小说“如水晶般纯洁”,这也是凡尔纳的书在世界各国的审查中通行无阻的原因。在凡尔纳的科幻小说中,人类在文学中的主角地位让位于另一个文学史上首次出现的意象:大机器。大机器以鹦鹉螺号潜艇、机器岛和登月大炮的形象出现,即使像《八十天环游地球》这样没有大机器出现的小说,地球本身作为一个完整的文学形象也取代了人。同时,凡尔纳所代表的新生的科幻文学,把传统主流文学中占统治地位的人与人的关系转换为人与自然的关系,这一转换为科幻文学注入了新鲜的血液和灵魂。 三这以后,在20世纪初的经济大萧条中,科幻文学在美国进入黄金时代,并以坎贝尔提出的技术科幻理念为标志,进入自觉时代。但对于国内读者来说,从凡尔纳到现代科幻文学之间有一个巨大的空白期,直到上世纪70年代末,除乔治·威尔斯和少数苏联作品外,西方科幻文学的译介几乎为零。当我首次接触西方现代科幻时,这种文学已经发展到相当成熟的阶段,其超越意识也彰显出来。 1980年的一个冬夜,一位生活在斯里兰卡的英国人改变了我的一生,他就是西方科幻三巨头之一的阿瑟·克拉克,我看到的书是《2001,太空奥德赛》。在看到这本书之前,我曾经无数次幻想过一种文学,能够对我展现宇宙的广阔和深邃,能够让我感受到无数个世界中的无数可能性带来的震颤,在当时现实主义的黄土地上,那种文学与我所知道的文学是如此的不同,以至于我根本不相信它的存在。当我翻开那本书时,却发现那梦想中的东西已被人创造出来。 除去难以言表的震撼和激动,更感到这本书对主流文学理念的颠覆和拓展。首先从中看到一个全新的概念:宏细节。这是主流文学中很难出现的东西。试想托尔斯泰在《战争与和平》中做出如下描述:“拿破仑率领六十万法军侵入俄罗斯,渐渐深入俄罗斯广阔的国土,最近占领了已成为一座空城的莫斯科。在长期等待求和不成后,拿破仑只得命令大军撤退。俄罗斯严酷的冬天到来了,撤退途中,法国人大批死于严寒和饥饿,拿破仑最后回到法国时,只带回不到三万法军。”事实上托翁在那部巨著中确实写过大量这类文字,但他把这些描写都从小说的正文中隔离出来,以一些完全独立的章节放在书中。无独有偶,一个世纪后的另一位战争作家赫尔曼·沃克,在他的巨著《战争风云》中,也把宏观记述二战历史进程的文字以类似于附记的独立章节成文,并冠以一个统一的题目:《全球滑铁卢》,如果单独拿出来,可以成为一本不错的二战历史普及读物。两位相距百年的作家的这种作法,无非是想告诉读者:这些东西是历史,不是我作品的有机组成部分,不属于我的文学创造。确实,主流文学不可能把对历史的宏观描写作为作品的主体,其描写的宏观度达到一定程度,小说便不成其为小说,而成为史书了。当然,存在着大量描写历史全景的小说,如《李白成》和《斯巴达克斯》,但这些作品都是以历史人物的细节描写为主体,以大量的细节反映历史的全貌。它们也不可能把对历史的宏观进程描写作为主体,那是历史学家干的事。但科幻小说则不同,它可以把对历史的宏观描写作为作品的主体,与上面不同的是,它同时还是小说,是作者的文学创造,因为这里的历史是作者创造的历史,来自于他的想象世界。主流文学描写上帝已经创造的世界,科幻文学则像上帝一样创造世界再描写它。 在科幻文学中,细节的概念已发生了巨大的变化。有这样一篇名为《奇点焰火》的科幻小说,描写在一群超级意识那里,用大爆炸方式创造宇宙只是他们的一场焰火晚会,一个焰火就是一次创世大爆炸,进而诞生一个宇宙。当我们的宇宙诞生时,有这样的描写: “这颗好!这颗好!”当焰火在虚无中炸开时,主体1欢呼起来。“至少比刚才几颗好,”主体2懒洋洋地说,“暴胀后形成的物理规律分布均匀,从纯能中沉淀出的基本粒子成色也不错。” 焰火熄灭了,灰烬纷纷下落。“耐心点嘛,还有许多有趣的事呢!”主体1对又拿起一颗奇点焰火要点燃的主体2说,他把一架望远镜递给主体2,“你看灰里面,冷下来的物质形成许多有趣的微小低熵聚合。” “嗯,”主体2举着望远镜说,“他们能自我复制。还产生了微小的意识……等等,他们中的一些居然推测出自己来自刚才那颗焰火,有趣……” 毫无疑问,以上的文字应该算做细节,描写两个人(或随便其它什么东西)在放一颗焰火前后的对话和感觉。但这个细节绝对不寻常,它真的不“细”了,短短二百字,在主流文学中描写男女主人公的一次小吻都捉襟见肘。却在时空上囊括了我们的宇宙自大爆炸以来150亿年的全部历史,包括生命史和文明史,还展现了我们的宇宙之外的一个超宇宙的图景。这是科幻所独有的细节,相对于主流文学的“微细节”而言,我们不妨 把它称为“宏细节”。 回到《2001》,在不长的篇幅内,它描述了人类从诞生到与宇宙融为一体完成超级进化的全过程。从百万年前原始人类自我意识的觉醒,到人类文明对近地空间和月球的探索,直到在土星探险的终点跨超时空之门进入宇宙深处,使文明完成从个体到整体的升华。 在这些宏细节中,科幻作家笔端轻摇而纵横十亿年时间和百亿光年的空间,使主流文学所囊括的世界和历史瞬间变成了宇宙中一粒微不足道的灰尘。 在科幻小说的早期,宏细节并不常见,只有在科幻文学将触角伸向宇宙深处,同时开始对宇宙本原的思考时,它才大量出现。它是科幻小说成熟的一个标志,也是最能体现科幻文学特点和优势的一种表现手法。 宏细节的出现,对科幻小说的结构有着深刻的影响。以宏细节为主的科幻,先按自己创造的规律建成一个世界,再去进一步充实细化它;这个过程与主流文学是相反的,因为对于后者来说,上层结构已经建好,描写它不是文学的事,文学描述结构的细部。 科幻急剧扩大了文学的描写空间,也使得我们有可能从对整个宇宙的描写中更生动也更深刻地表现地球和人类,表现在主流文学中存在了几千年的传统世界,从仙座星云中拿一个望远镜看地球上罗密欧在朱丽叶的窗下打口哨,肯定比从不远处的树丛中看更有趣。科幻文学能使我们从大海见一滴水。四《2001》和其它现代科幻经典对主流文学理念的另一个颠覆是在文学形象的创造方面。人类的社会史,就是一部人的地位的上升史。从斯巴达克斯挥舞利剑冲出角斗场,到法国的革命者们高喊人权博爱平等,人从手段变为目的。 但在科学中,人的地位正沿着相反的方向演化,从上帝的造物(宇宙中的其它东西都是他老人家送给我们的家具),万物之灵,退化到与其它动物没有本质的区别,再退化到宇宙角落中一粒沙子上的微不足道的细菌。 现在的问题是:文学倒向哪边?主流文学无疑倒向了前者,文学是人学,已经成了一句近乎于法律的准则,一篇没有人性的小说是不能被接受的。但科幻却倒向了后者,人性不再是这种新兴文学的灵魂。从不长的世界科幻史看,科幻小说并没有抛弃人物,但人物形象和地位与主流文学相比已大大降低。以《2001》为例,其中人本身已成为一个整体性的符号,这一点在库布里克拍摄的同名电影中表现得最为充分:里面的科学家和宇航员目光呆滞面无表情,用机器般恒定的声调和语速说话。这是克拉克和库布里克故意而为之,他仿佛在告诉我们,人在这部作品中只是一个符号,我们应该关注的是人作为一个整体与宇宙的关系。他们做得很成功,看过小说和电影后,我们很难把飞船中那仅有的两个宇航员区分开来,除了名字,他们似乎没有任何个性上的特点。 人物的地位在科幻小说中的变化,与细节的变化一样,同样是由于科幻急剧扩大了文学描述空间的缘故,另一个重要原因是,由于科幻与科学天然的联系,使得它能够对人类在宇宙中的地位有一个清醒的认识。 人物形象的概念在科幻小说中主要有以下两方面的扩展。其一、以整个种族形象取代个人形象。与传统文学不同,科幻小说有可能描写除人类之外的多个文明,并给这些文明及创造它的种族赋以不同的形象和性格。创造这些文明的种族可以是外星人,也可以是进入外太空的不同人类群落,甚至可以是机器。我们把这种新的文学形象称为种族形象。其二、一个环境或一个世界作为一个文学形象出现。这些世界可以是不同的星球和星系,也可以是平行宇宙中的不同分支,近年来,又增添了许多运行于计算机内存中的虚拟世界。这又分为两种情况:一是这些世界是有人的(不管是什么样的人),这种世界形象,其实就是上面所说的种族形象的进一步扩展。另一种情况是没有人的世界,后来由人(大多是探险者)进入。在这种情况中,更多地关注于这些世界的自然属性,以及它对进入其中的人的作用。科幻小说中还有一种十分罕见的世界形象,这些世界独立存在于宇宙中,人从来没有进入,作者以一个旁边的超意识位置来描写它,这类作品很少,也很难读,但却把科幻的特点推向极至。 不管是种族形象还是世界形象,在主流文学中都不可能存在,因为一个文学形象存在的前提是有可能与其它形象进行比较,描写单一种族(人类)和单一世界(地球)的主流文学,必须把形象的颗粒细化到个人,种族形象和世界形象是科幻对文学的贡献。在《2001,太空奥德赛》之后,我很快又看到了克拉克的另一部经典之作《与拉玛相会》,在这部小说中,科幻创造的新文学形象得到了进一步的彰显。小说描述一艘外星无人巨型飞船掠过太阳系,人类对它进行短暂考察的过程。克拉克对那个巨大的空壳世界进行了生动细致的描述,包括其内部的地形地貌、在接近太阳的过程中渐渐消融的海洋、两极地区的金字塔形山脉等等,他以造物主般的热情创造和雕琢着这个想象世界,使其每一个细节都符合物理学规律,同时又生动而空灵。《与拉玛相会》中的人物同《2001》里一样符号化,其实把进入外星飞船世界的人类考察都换成没有生命的智能探测器,对作品也不会产生太大的影响,克拉克在科幻文学形象画廊中留下的,就是那个宏伟而神奇的拉玛世界,其中没有人。连外星人都没有。那个让我重新认识文学的潜力和可能性,并把我带上科幻之路的人于2008年3月去世,继阿西莫夫、海因莱因后,科幻文学黄金时代的最后一位大师也离开了我们。在他的墓碑上刻着一句话:“阿瑟·克拉克在这里长眠。他从未长大,但从未停止成长。”是的,在主流文学使人变老的同时,包括他的经典之作在内的科幻文学却使人年轻,这是我写科幻十年来最大的感受。五与克拉克相比,伊萨克·阿西莫夫的小说具有更强烈的科幻形象理念,包括种族形象和世界形象。 塑造科幻形象的基础工作是世界设定,就是为小说中的想象世界确立一个基本的框架、规律和规则。世界设定是主流文学中没有的工作,因为后者所描写的世界是现成的。但它也并非为科幻文学所独有,奇幻文学也有世界设定,比如《魔戒》中的中土世界等。它们之间的区别在于:科幻的世界设定大多在小说中完成,奇幻的设定则往往独立于作品,为多个作品所共用;科幻的世界设定需遵循科学规律,它是超现实的,但不能是超自然。与奇幻相比,科幻的世界设定简洁严谨,有科学定律的影子。 阿西莫夫的《我,机器人》系列就是建立在一个被称为机器人三定律的严谨设定上,这个设定不足百字,是机器人在确保不伤害人类的前提下应该遵循的准则。但面对复杂的人类世界,面对人类和伤害这类概念变化不定的定义,这三条准则常常使机器人陷入一种怪异的逻辑困境。这个简洁有力的世界设定像一粒小小的种子,在幻想世界中引爆了丰富的戏剧冲突,在阿西莫夫手中长出了机器人世界这种参天大树。值得注意的是:《我,机器人》中的机器种族所面对的逻辑困境与人性无关,是机器人或人工智能所独有的困境,生动而深刻地描绘出一个新种族的新文化,这种文化与人类文化迥然不同,充满了钢铁与逻辑的碰撞,使这本书成为科幻文学中种族形象的经典之作。 阿西莫夫的《基地》系列则规模庞大,其世界设定为:人类扩展至整个银河系,建立了无数的世界,但其生物形态和文化形态基本保持一致。阿西莫夫还假定,这个超级庞大的人类世界的历史规律,可以通过统计产生的数学模型来预测,他称之为心灵历史学。整部巨著建立在心灵史学的数学模型对未来一万年历史进程的预测上,人们试图通过这种预测把正在到来的一万年的社会崩溃缩短到一千年。作品具有鲜明的宏细节特征,在漫长的历史进程中,每个角色,不管是精英还是普通人,都迅速湮没于时空中,只有以冷峻笔触和严密逻辑展现的宏伟历史进程在不断推进。 阿西莫夫作品的特色很大一部分出自他的文笔,平直、单色调、钢硬、呆板……几乎所有这类文学上的负面词都可以用来形容他的文笔,他有时让人想起海明威,但绝无后者的简洁有力,更像一个工程师写出的冗长的技术说明。这种笔调无论如何是不适合文学的,但却很适合科幻,也使他的小说风靡世界。阿西莫夫让我意识到,科幻是内容的文学,不是形式的文学。在科幻小说中,形式是承载内容的容器,是为内容服务的,形式高于内容的科幻小说可能是很好的小说,但已经不是科幻了。六同其他的科幻读者和作者一样,当我对科幻文学的内核和灵魂有了越来越深入的感受时,突然发生了一件意想不到的事情:自己的道德观和价值体系开始动摇,这确实是一件很奇怪的事。 最容易说明这个问题的例子是《冷酷的方程式》,这是汤姆·戈德温的一篇不足万字的短篇,简单到不能再简单:只有两个没什么个性的人物,一个是宇宙飞船的驾驶员,另一个是偷乘飞船的小女孩。那艘飞船叫飞艇更合适,只有公共汽车大小。小女孩的偷乘使飞船超载,不能到达预定的目标星球,后果将是宇航员、小女孩,以及飞船搭载的药品预定救助的目标星球上的探险队的多人,全部死亡。补助的措施也很简单:趁超载还没有超过限定的时间,把偷乘的小女孩弹出舱外。身为一个男子汉的宇航员这么做了,小女孩被弹到太空中,真空使她的血液沸腾,内脏吐出体外,变成一堆被冰冻的鲜血所围绕的难看的残肉…… 这篇短短的小说发表后的几十年里,一直被关注和谈论,以至于评论界称它为“灼热的方程式”,它确实把科幻文学的灵魂直观鲜明地展现出来。它让我们看到,在一个科幻的世界设定下,已有的道德观和价值体系是多么的软弱无力。 其实道学家们也许不这么看,不得不承认,小说中的设定并非科幻中独有,现实生活中也可能出现这样的困境。在历次中东战争中,也多次出现以色列士兵牺牲十几个人抢回一个伤员的事情。就《冷酷的方程式》而言,宇航员完全可以选择大家一起死,以便让人性的光辉永存。 但资深的科幻读者却会对此付之一笑,《冷酷的方程式》更多具有的是象征意义,只要把这个世界设定向前稍推一步,一切将变得真正冷酷起来。试着用科幻方式思维:假如飞船后面的地球不存在了,全人类只剩下飞船上的宇航员、偷乘的小女孩和目标星球上那些生命垂危等待救援的探险队员,他们是人类文明的全部,该怎么办?或换一个更宏伟也更有可能成为现实的设想:让地球上一亿人死,否则全人类六十亿一起死。当然也可以做道学家的选择,但问题是选择后人性的光辉同样消失,因为此后宇宙中没有人了。事实上,有大量的科幻作品涉及到后一个设定。 这是一个只有用科幻文学的思维方式才能产生的思想实验,这就是科幻的“末日体验”。事实上,自人类诞生至今,人类文明作为一个整体从未遭遇过灭顶之灾,所以末日体验对我们是一种十分珍贵的东西,正像一个被误诊为癌症的病人知道正确结果后的感受,生活对他显然有了新的意义。而全人类的末日体验,只能由科幻文学产生。科幻中还有许多类似的设定,把读者引入道德和价值观的困境:比如多性别设定、多自我设定、统治设定(人类被更高级文明或机器统治)等等,深入到这些想象世界中,就会看到在冷酷的宇宙规律下,我们以前认为天经地义坚不可摧的东西是那么不堪一击。 事实上,科幻文学的世界形象会产生这样一种结果:现实世界中任何一种邪恶,都能在科幻中找到相应的世界设定,使其变成正当甚至正义的,反之亦然,科幻中的正与邪、善与恶,只有在相应的世界形象中才有意义。 阿西莫夫的巨著《基地》中所展现的历史观和文明进程深得本·拉登的认同,以致用此书的标题命名自己的组织,并自诩为现实版的谢顿(《基地》中的历史学家,预言银河系社会万年崩溃的未来历史进程)。与主流文学家不同,西方的科幻作家中,真正具有人文精神的并不多,倒是有多人像海因莱因一样显示出明显的军国主义倾向,科幻文学的语境不是人文的,而是冰冷冷的理智和逻辑的;5·12大地震后,国内科幻作家们反应冷淡,当时在他们的博客和论坛上几乎没人谈论这事,这也显示出科幻文学在真正深入后狰狞的一面。国内曾一度把科幻当做纯洁的儿童文学,其实有些时候,倒希望真是这样。 七时至今日,科学为我们揭示的世界图像与古典时代已经大不相同。我们知道,没有绝对的时间和空间。时空与物质和运动是揉为一体的一团泥巴;我们还知道,从微观尺度看,因果链并不存在,只有量子的概率,因而宏观世界的因果链也值得怀疑。可是文学眼中的世界图像仍没有变化,仍是牛顿之前的世界,甚至是哥白尼或托勒密之前的世界,前面说过,在文学的精神世界里,地球仍是宇宙的中心。其实,主流文学中也有人做着超越自恋的努力,比如前一阵儿常被小资们挂在嘴边的卡尔维诺和博尔赫斯,他们的一些作品就试图描写人与人关系之外的,人与更大存在的关系,《看不见的城市》中出现了世界形象,在更极端的《巴别图书馆》中,根本没有人,人性已经无影无踪。甚至在品钦和卡夫卡的作品中也能看到这方面的影子。但总的来说,文学不是向着这个方向发展。有学者提出过一个有趣的观点,认为现代和后现代文学中的无理性、支离破碎、意义消解和飘忽不定是量子力学理论在文学中的反应,但这话估计连说的人自己都不相信,文学与科学一直保持着相当远的距离,文学可以(有时也很积极)去描写被科学和技术改变了的世界,但坚定地拒绝把科学揭示的世界图像和世界观纳入自己的内核,国内外,东西方,莫不如此。 文学正在走向更深的自恋,宏大叙事正在消失,越来越内向,越来越宅,人与大自然的关系自然淡出视线,甚至连对人与人的关系也渐渐不耐烦,只剩下自个儿与自个儿的关系,只剩下个体的喃喃自语。同时,抛弃了时代和人民的文学却抱怨自己被前者抛弃。 作为一个科幻迷和文学上的外行,真的无意指责什么,还是那句话:人类和文学都有自恋的权力,存在的就是合理的。只是想:在内向的、宅的文学存在的同时,能不能并存一个外向的、反映人和大自然关系的文学?能不能用文学去接触一些比人性更宏大的东西? 当然这并不是只指科幻,科幻文学一直都是一个很边缘的存在,并不为评论界所注意。一次有机会问顾彬:你看中国科幻小说吗?他回答说我连德国的都不看。科幻背后没有主流文学那庞大的学院派评论体系,我们只能依赖读者的评价,更糟的,依赖市场和销量的评价,于是,科幻文学闪光的内核不可避免地隐没于商业化后面。 只希望,科幻能够给文学一个建议,一个小小的机会。 这期文章先写到这里,下一篇明天会发。如果你觉得我说的有什么自己不认同或对此有想探讨的地方,欢迎文章下面/公众号留言。如果你觉得我说的还不错,悄悄点个赞/点个订阅我就知道啦。再见! 谢谢阅读!END作者 | 弗兰茨排版 | 弗兰茨 图源 | 网络往期回顾用镜头纪录生活用故事表达情绪这里没有无谓的文艺与忧愁只有影像、生活与烈酒404放映室电影 | 纪录片 | 小说 欢迎订阅

  • 剪辑师的真心话:2019我想跟导演和摄影师们谈谈

    资深剪辑师Jonny Elwyn曾发表过一篇《剪辑师对导演的十个建议》,说出了很多剪辑师在跟导演合作时的真实想法——1.“剪辑是个协同的工作”剪辑师会全身心投入这项工作,也会与导演就呈现某个部分而进行争论,但更希望导演能敞开说明白他们的想法,别以为剪辑师只是个“程序猿”。2.“你想要的未必真能得到”剪辑师总会因为导演想要表现的和实际素材表现的差距而陷入两难,剪辑师剪辑的就是导演自己拍摄的素材,他们的工作就是尽可能地弥补这道鸿沟。3.“用不着你告诉我什么时候剪”“别拍巴掌、噼里啪啦地弄动静提醒我们了”4.“让我安静地去弄”有些剪辑师需要自己来处理这些素材,而不需要导演在旁边黏着,他们会自己组织好,统观素材,寻找亮点,并研究是否可以采用突破的方法,锦上添花而让导演少费点时间。5.“有足够时间交流”如果导演总是很忙,连个电话都打不通,那就很难协作了,剪辑师需要在合适的时间与导演交流,以集中的方式得到导演对剪辑成果的反馈、想法和鼓励。6.“说得通俗点”如果演员演的某一条不能让导演满意了,导演可能会委婉地说:“带着感觉再来一遍”,但是如果跟剪辑师说什么:“这个场景剪得缺乏一种力量感。”却足够让他们蛋疼,直接说“把这一段剪下这五帧,转移到XXXX”反而能让剪辑师更了解导演建议的精髓所在。7.“说具体点”当某个项目完成时,剪辑师希望能从导演那得到清晰具体、特定明确的反馈内容,剪辑师都恨不得能跟导演能坐一起,面对面交谈了解到导演的要求,尤其是在确定某个选择是否可行时。8.“别碰屏幕!”9.“多跟我分享一点吧”剪辑师在与导演积极的交流中,导演若能多分享关于电影拍摄,叙事结构和灵活创作上的养分,不光是对剪辑师自己有意义,也对剪辑工作上有很大帮助。10.“人无完人”有些剪辑师难免会误解导演的想法而犯下错误,希望导演大人们能多多谅解。中枪了吗?除了导演,Jonny Elwyn还发表过另一篇《剪辑师对摄影师提的十一个建议》,摄影师们也别想逃——1.“你拍出来的素材都要经过剪辑”站在叙事的角度考虑,摄影师需要确定好自己的视野、视角、特写以及动作捕捉等。以三元观点分析,通常三个镜头才能组成一个不错的剪辑序列,两个都够呛。2.“保持拍摄状态”有些坏镜头比如镜头撞击,仅记录了背景声音片段等素材的镜头对剪辑师来说也可能有用,所以请摄影师到时别用手在镜头前晃悠着说“拍得不好”,没准剪辑师能把这段“妙手回春”。3.“也别总保持拍摄状态”有些剪辑师经常围着一大段素材又复制,又剪切,又转码,其实那段素材经过剪辑最后留下来的就是一双脚的,车里的镜头,甚至还有镜头帽等一堆无关的东西。如果不是故意恶搞的话,麻烦摄影师自觉将那些无意义的片段尽可能滴删掉。4.“数据问题”请摄影师确保摄影机上那些令人头晕的文件名和时间码是正确的,并在素材积累得越来越多时,使用新的储存卡。并尽力及时保持提供给剪辑师相应的信息,如日志表和相机报告。5.“设置好摄影机”确保你摄影机的白平衡和色温已经设置正确,这不光是一个摄影师的职业素养,还因为有时在调节影像品质上还会面对很多麻烦。尤其是在一些独特的光线条件下。6.“别乱讲话”“你拍镜头用嘴吗?”,剪辑师好像用不着听,光看就行了,其实拍摄场景中的气压,同步声音以及无线话筒所发出的声音对剪辑工作也是有帮助的,“再说了,你也不想让自己说的闲话让别人听到吧?”7.“别偷懒”即便立个三脚架拍段静态片段看起来好像能很轻松,但是镜头也会时常“跑偏”的,这时又不得不赶忙扶稳, 光依靠Warp Stabiliser也不是那么回事。8.“一个画面多拍一会儿”俗话说巧妇难为无米之炊,很多摄影师拍摄的段落过于简短反而不适合剪辑师操作,建议摄影师在拍完一个画面后,先静数三秒钟再移动。有时摄影师心里想表现的和在最后剪辑中能体现出来的并不完全一致。9.“注意你的变焦”在镜头拍摄中变焦并将焦点对到主体上,请确保焦点一定要对准。如果无法一次对准,素材会显现出多次对焦尝试,但都没对准。如果你不太在行,不如先对好焦点,然后再虚焦,让剪辑在后期通过反向来搞定这个镜头。10.“在滑轨上不要漫无目的”在滑轨上拍摄能为摄影师的拍摄增加益处,但是请确定是在有目的性地使用滑轨。如果是要拍远景和特写,请确保两者的拍摄都在相同的方向和速度上,以确保剪辑师在剪辑时能将两者匹配好。11.“向我们要求反馈”尽管剪辑师和摄影师的工作方式不一样,但两者仍然需要交流,摄影师给剪辑师提意见能提升最终拍摄的效果,剪辑师也能告知摄影师哪里存在问题。如果摄影师真的没空,至少给剪辑师发个邮件询问进展也可以哦。新快猫学院x映美学院合作推出的《70天剪辑实战培训班》第二期目前已经上线啦!课程打破传统教育机构多人一课模式化教学,打造仅20人一课一对一指导的私人订制式剪辑教学课程。针对零基础到业内提高全部涵盖,教学内容以剪辑思路、剪辑技巧及各类真实类型片案例制作为主,包括5大商业影视类型片、100多小节课程。映美剪辑大师班截止2019年为止,依旧保持业内第一100%的就业率。

  • 独家专访《啥是佩奇》剪辑师董北:做剪辑要踏实点儿别飘

    《啥是佩奇》8分钟完整版大放送想必你已经被2019年第一个爆款《啥是佩奇》刷屏了一整天。截止目前,仅新快猫社区的8分钟版本播放量就达到了86万,微博“小猪佩奇过大年”官方账号的5分钟视频版转发高达20万,播放量更是达到了3660万。片子火了是什么体验?新快猫学院独家联系到了昨晚4点才睡、只睡了3个小时的剪辑师董北,他的声音里带着疲惫,但仍然冷静:我真的是过了那岁数,放前几年肯定会特别激动,现在没啥感觉。名声是别人给的,自己还是要踏实一点儿。关于《啥是佩奇》“手机天线在最终版前拿掉过一次”新快猫学院:您大概用了多久剪完的这支短片?在结构上是像网上现在流传的那张图所说,按照经典三幕结构来编排的吗?董北:片子粗剪了三天,我做片子更注重挑素材,挑素材花了大部分时间。结构更多靠过往经验形成的直觉,我很少考虑段落结构,更多是偏向于这部分紧了,那部分就松一点儿。我会从整体看分布,但不会刻意分段。新快猫学院:在前期探讨剪辑方向时是怎样定下这个方案的?董北:前期探讨剪辑方向,导演比较信任我。我们会有参考片,导演先发给我看看。这个片子我主要是致敬Mc famer,是乌尔善拍的一个中国移动的特别早的广告。剪辑方向上主要由我来把控,因为我和导演太熟了,他的想法我基本都知道,我们都想真实一些,我们在感情表达上都倾向含蓄一点儿,能让人眼里噙着泪,就不会让人哭出来。新快猫学院:片子里鼓点、唢呐的各种环境音用得非常巧妙,当时是怎样想到这么用的?董北:鼓点是在之前《老张的团圆年》那个片子里,专门找鼓手周浩帮我们打的鼓,我一直留着,这次我觉得调性又比较搭,就跟导演建议用这个,他说:行,就这么来。片子里的鼓点和唢呐,其实还是考虑整体调性,整体调性就是很糙,除了唢呐是现场录的,其他环境声、鼓点几乎都是我加的,因为我习惯做片子的时候把剪辑、配乐、音效一块弄了。我做片子会按段做,做完这一段做下一段时,会考虑下一段是做丰满一些还是松散一些。如果做丰满一些,里面就会加大量的东西。特别是中间有一段,老头儿说:“啥是佩奇”,狗叫、驴叫的声音都是我加进去的,混音师颜隆后来又吧我做的参考声换成质量更好的了。在导演版里驴叫更强烈一些,会喜剧效果更强。新快猫学院:在音乐的选择上有灵感来源吗?剪辑师的乐感是怎么培养的?董北:其实没什么,有东西就直接用了,感觉适合。最后一段,佩奇吹风机出现的时候,那段音乐是导演给我的,我们俩听了觉得特别好,就用它了,然后就去买了版权。乐感就是多听多看,这个片子我借鉴了好几个片子。像中间老头儿反复敲打造佩奇那段,我用了一个三段式的反复,这个我参考了《权利的游戏》中间的桥段,吃饭跟倒马桶那段。我本身乐感稍微好点儿的基础就是我一直在玩乐器,我从初中就开始玩吉他,到现在也十来年了,最近也在玩电琴。关于乐感这一块儿,首先剪辑师不能拒绝任何风格的音乐,都得听,不能说讨厌哪个就不听了。你得接受你是一个工作者的设定,什么东西都不能讨厌,要客观的去听这些东西。新快猫学院:在饭桌上爷爷拿出礼物的那一段大家都觉得剪得非常好,当时是怎么构思这一段的?董北:饭桌上拿出礼物这一段,其实本来这段剪的比现在还要再快一点儿,第一版我记得小孩儿表情抓的是冷笑,他没有回头看爸妈一眼。后来感觉那个镜头太心机了,不像个小孩子,我就又改成老头儿往外拿东西,小孩的爸妈一直在劝,小孩一直在瞟他爸妈,也不知道他们在干嘛,就是一个小孩儿的感觉,我们想把他塑造成一个比较单纯的小孩儿。后来爷爷把红包袱拿出来之后,就表现小孩儿该有的状态,就是开心。然后给爸妈一个反应,一开始他爸妈感觉没什么,一扭头愣住了,再切到小孩儿也愣那儿了。小孩儿愣我们也有很多镜头可以选择,我跟导演都比较倾向冷幽默式的表现手法,就是让他在那儿停着,没有任何动作,张着嘴就行了。我觉得这能充分表达小孩儿内心的震惊,又不露声色去表现出这样的东西,这就属于剪辑思路上的事儿了。新快猫学院:手机天线和另一个爷爷手机里的女主播这两个彩蛋,是导演跟您提前沟通埋好的还是后期构思的?董北:手机天线在最终版之前我们拿掉过一次,为了让时长变得更短。但是后来又加上去了,包括老头儿最后安上天线、又举起电话跟孩子联系,之前中间切了一下,接的比较紧,后来还是决定松下来,最后一段我们要让它完全放缓。手机里的女主播是一个咪咕的广告信息。这两个都属于前期就埋好的。说到后期构思就是后面三段式的剪切,后面狗叫、驴叫,狗抬头那一下,这些是我想的,剪辑方式上都是我去构思的。关于剪辑行业“好好挑素材,必须好好挑素材”新快猫学院:对于您擅长的情感类短片,如何找到合适的剪辑节奏?董北:因为我最近两三年都在做故事类型片,我觉得剪之前一定得先把素材挑好,把素材挑好才能知道这个片子大概能剪成什么样。在此之前还得先多看参考片,我不反对模仿,我觉得可以模仿它的内涵和形态,我不会去抄袭它的本身。我觉得主要是模仿一种感觉吧,我的能力还是不够强,我还是得先去看一些东西,糅成自己的东西再去创造。我做东西从来不会只看一个参考,会看好几个参考。把平时看的东西、生活经历都能糅在一块形成自己的东西,成熟的剪辑师都会这么做。新快猫学院:在广告片的剪辑上,有什么高效完成剪辑的经验吗?怎样能高效快速地了解甲方意愿?董北:在高效剪辑上的经验就是好好挑素材,必须好好挑素材。我的剪辑思路一般是,我会提前拿到本子,不先看素材,拿到本子就看片子的结构、大概的故事内容是什么样的,我脑子里会过一遍画面,如果是我自己拍我会怎么拍。在拿到素材后,我会一边挑素材,一边把挑的素材放到我脑子里,去替换我之前的想法,因为导演拍的肯定跟我之前想的不一样,毕竟我要拿导演的素材进行剪切。挑素材会占用大量的时间,最后剪的时候就很快了,就是根据结构、想法,这个就是靠经验。剪辑师要擅于沟通,不管到什么程度都别飘,踏踏实实做好事儿,跟大家融洽的去相处,不能说坚持自己是完全对的,一定要融合别人的想法。关于甲方,他们一定有懂的、有不懂的,人和人的判断都是不一样的,他认为那样对,你觉得这样对,这本身就是合理的。所以在这种基础上,我可以充分理解对方提出的不一样的意见,我可以接受这样的修改。新快猫学院:您之前剪辑的大多是广告片,现在也在剪更多的电影,您给也想要完成这个转变的新人剪辑师们有什么好的建议吗?董北:我觉得剪辑这一块儿下游比较混乱,大家都很累,我也是从那时候走过来的,大家就先埋头把基本功扎实吧。因为这个行业未来是需要大家一块儿去改变的,剪辑越来越被看重,当你的能力足够支撑你的时候,你就会获得别人的尊重。反正就是最后一句话,踏实一点儿别飘,像现在这个片子火了,也就是一时的事儿,它也不会影响我的生活,我还是会好好生活,最重要的是要学会好好生活,不要老是沉在工作里,工作要做好,生活也要过好。董 北独立剪辑10年剪辑从业经验,剪辑过综艺、专题片、企宣、电视剧、TVC、院线电影等各种类型的项目。剪辑广告作品曾多次获得国内广告节奖项,其中《爸爸的黑暗料理》曾荣获长城广告节金奖,《老张的团圆年》荣获中国广告金狮奖。一个彩蛋《啥是佩奇》剪辑师董北✖️新快猫学院去年年末合作的剪辑音频课下一个爆款就是你!↓扫码限时领取第一节↓▼【购买须知】*《给剪辑工作者的4堂进阶课》为 “音频+文字稿”内容,共4节,每节10—20分钟*本产品为付费课程4讲 ,购买成功后,即可永久性收听产品所有课程*本产品为虚拟内容服务,一经购买成功,概不退款,请您理解*购买后,添加客服微信 ID:xpcxueyuan 提供购买截图,工作人员将会进行拉群

  • 超详细视频解读,你不得不知的迪士尼黄金定律

    迪士尼12法则可以说是动画制作中屡试不爽的铁律,它在学院派动画教学中几乎成为必修知识点。如今,绝大部分动画教材都会讲解12法则,然而你是否能真的能完全理解,并在自己的作品中真正用好它们?外国网友AlanBecker在youtube上发布了一段动画视频,向动画师弗兰克·托马斯和奥利·琼斯顿提出的迪士尼12黄金法则致敬。《生命的幻象》这12法则,曾在弗兰克·托马斯和奥利·琼斯顿的《生命的幻象》一书中有过比较完整的总结,不过还是很多细节需要进一步的解释。于是我们就找来了这段讲解详细的视频。视频中生动、清晰地从概念,到运用,再加上错误示范和使用对比,逐一详细讲解了这12条法则,可以说相当干货和超值,不论你是否喜欢迪士尼的夸张的动画风格,值得反复观看和学习。视频见文末。 第一法则 挤压与拉伸 "Squash and Stretch" 这一法则中,动画物体会用拉长或压平来强调速度、动力、重量和质量。左边是带着挤压与拉伸的弹力球,右边是没有挤压拉伸的弹力球,看出区别了吗?物体挤压与拉伸的量表明了它的质量,挤压与拉伸越多,物体越柔软。挤压与拉伸越少,物体越坚硬。在角色里面也可以应用挤压与拉伸。我们来看这个人在下来的时候时如何拉伸的:他在落地后固定姿势之前进行挤压,你也可以在面部表情的夸张化上用挤压与拉伸:需要注意的一点是,球体的整体体积必须保持不变,所以当球越来越拉长时,它会变更窄;而当它越来越扁平的时候它也会更宽。另外一个重要点,落下的球不需要整个过程都在做拉伸。当它刚开始掉落的时候它应该基本上保持原有形状,之后在将要触底时,才会有最大的拉伸。从这个意义上说——不要过度使用挤压与拉伸。 第二法则 预备动作 "Anticipation" 这是当一个角色为一个动作做准备时,让观众知道下一步会发生什么的一点提示,同时让动作看起来更加真实。 下面这个例子是在角色即将起跳的时候,纵身一跃之前,他要通过蹲下来储备能量做预备动作,就像一个弹簧在弹起之前会盘绕起来。如果没有预备动作,角色看上去就会很不真实,因为跳跃的力量凭空而来。 另外一个例子:一拳猛击,为了增加冲击力并向观众传达他即将出拳的信息,他将手臂往后伸再出拳猛击,对比来看没有预备动作的拳击结果很弱。在许多卡通动画中我们都可以看到这个,比如角色在起跑前会扭身蓄力等等。 第三法则 演出布局 "Staging" 这个法则很广泛,因为覆盖到动画的多个领域,它能应用到表演、时间控制、相机视角运镜、站位走位和环境布景。 这个控制通过演出布局实现场景所有元素通力协作移动观众视点,如果演出布局糟糕,角色们都在抢镜,观众就会不知道该看哪一个。摄像机和这有很大关系,重要的是要知道什么时候往里推和往回拉,远景适合大动作、特写适合情感表达。 别把主要动作搁在一边,它应该在屏幕中心,或屏幕的三分之一,如果面朝一侧,则给那一侧留出更多空白空间,除非有人偷偷溜在后面,并让他们不再是画面主体。如果我们想要传达的想法是一个过度进食者,我们就可以给场景更多设置:给他更多披萨,后面加一大堆披萨盒,衣服上加污点,还可以把摄像机移动到他下方以让给他显得更大:↓↓↓↓↓↓按照这种办法,你的设计就会表达得很清晰。 第四法则 连贯动作法与关键动作法 "Straight Ahead and Pose to Pose" 这个术语阐述了做动画的两种方法,第一种方法“连贯动作法”指的是:你先画完第一张,之后画第二张,接着第三张...基本就是画到哪是哪。第二种方法关键动作法指的是:先画好每个主要姿势的开始和结束,之后回过头来填充中间部分。两种方法都有好处,通常关键动作法对大多数动作而言是更好的,因为它给你最多可控性。工程前期你就对动作会是什么样的有很好的想法,不是担心角色最后位置跑偏,而是你一开始就决定好结束的位置,然后往回做。在另一方面连贯动作法对不可预测的动画是有好处的。比如火、水粒子、尘土、爆炸。另一个不可预测的动画是重叠动作,比方说有个松软耳朵的角色,你可以给每个姿势都画出他的耳朵,只要有根据地画出中间画便可。但另一种方法是用关键动作法:先不画耳朵,之后用连贯动作法画耳朵。这个方法好在你可以集中于人物的运动,不用被耳朵分散注意。你也可以集中精力在耳朵的物理运动,不用被身体运动分心。这也同样适用于头发、尾巴,和其他附加物。当你用关键动作法工作的时候,有几个相应的单词:主要姿势叫关键张(Keys),次要姿势叫极端张(原画/Extremes),往下分解姿势叫细分张(小原画/Breakdowns)。先画关键张,画到最好,随后用原画决定角色在每个方向上的最远程度,然后用小原画决定如何连接原画。这时候你就可以开始做中间画。这样分层嵌套工作会给你最多可操控性,与关键动作法与连贯动作法有所不同,这就像在关键动作法里再分层套用关键动作法,因为你在画下一层姿势之前要先完善好这一层姿势。 第五法则 跟随动作与重叠动作 “Follow Through and Overlapping Action”这是一个把身体的各部位及附加物与身体分开的技术,在身体运动停止时继续运动,通常和另一个技术“拖拽”有关系。这些名词都用不同方式阐述同一件事,比如,跟随动作说的是身体静止后身体部件(由于惯性)还在继续运动;重叠动作说的是主体和它的其他部件的时间错开(产生重叠效果);拖拽说的是延迟身体各部位跟主体之间运动的技巧。这三个基本上都在从不同方面解释同一件事,跟随动作与重叠动作给角色添加更多的真实感。这是有跟随动作与重叠动作,以及没有跟随动作与重叠动作的角色。但主体动,次物体的尾部应该是最后跟上的。当身体停住,尾部在静止前应该从最远的地方跟随过去,不只适用于附加物,整个身体也是。当到静止时身体通常会有跟随动作再归位。正如角色起跳时要有预备动作他落地时也要有跟随动作。有时角色下垂的皮肤,可以当作分开的带有拖拽和跟随动作的实体。和挤压与拉伸类似,你给拖拽动作的量表明了它的质量。重叠动作也可以帮助分解动画增添趣味,如果我们错开手臂和腿的动作,动画看上去更加优美。如果角色从地上起身,我们可以错开上半身和下半身,让它看上去没那么容易,并且更贴合实际。 第六法则 渐快与渐慢 "Slow In and Slow Out" 这一法则指的是:几乎所有运动都是缓慢开始,之后加速,最后缓慢结束。这是实现逼真运动的重要原则之一,没有渐快与渐慢事物看上去更加机械化,那是因为机器人是唯一所有部件都匀速运动的事物。比如你不应在弹球碰到地面时用渐慢 ,但你会在它弹起来的时候加渐慢,你不会让离枪的子弹渐快,但因为子弹猛地爆出你会让枪支渐慢。如果运动足够快,使用这个法则能允许你只画一个中间张,画一个中间张,然后在两边添加帧,往正确方向稍微倾斜就可以了。有时你甚至不用画中间张,这种运动能在3D中用很陡的曲线实现,很多人画动画失去耐心就把下一帧画得离开始很远,这样角色从完全静止到突然飞快就很不真实。所以加多几张画给它做缓和可以解决问题,解决跳跃动画的好方法是分析画与画之间的间隔,它们应该是平均分隔开越往开始和结束的画越密集,而中间的画间隔更远。 第七法则 弧线运动 "Arcs" 很少有生物体可以很规整地进行机械化的上下进出动作,大多数生物会沿一个圆形路径运动 也叫弧线运动。比方说我们有这些关键姿势并被告知要做中间张。单纯取中间点做中间张是行不通的,因为这看上去过于机械化。球体需要遵循弧线运动,当然我们也需要考虑由于重力引起的渐快与渐慢。在3D和MG动画中我们可以将X轴保持不变,给Y轴加渐快与渐慢 以达到这个效果,这就给球体一个弧线运动。现在我们来看看这个转头:(第二次转头加上一个弧线运动,会显得人物更鲜活)弧线运动可以加在几乎任何物体的运动上,这个人即将落地,我们给他身体加弧线运动:(第一次没有加弧线运动,第二、三次是加上弧线运动之后的效果)当运动非常快的时候,你可以以残影的形式加弧线运动,取开始和结束的动作,在中间画一条弧线,然后用同样的颜色填充它,在动作的结尾可能稍带透明或碎片感。 第八法则 附属动作 “Secondary Action”这个法则经常和重叠动作有关,意味着非常不一样的东西。附属动作指的是支持主要动作的姿势,给角色动画增加更多维度。比如一个角色可能在生气地走路,首要动作是腿部,附属动作是其他东西。手臂摇摆、头部摆动和面部运动。比如说角色要去敲门,另一只手的附属动作会补充说明是怎样敲的门。如果是拳头,他看上去很生气;如果是兰花指,就给他优雅快乐的气氛;如果在敲门前握住手紧紧夹着,同时头来回看,说明他不想被发现。这家伙在搬起一个箱子,我们可以让他更有个性,先把手合到一起搓一搓,然后摊开在空中准备去举箱子:这就是为什么演出布局在附属动作中很重要,首要动作是搬箱子,但附属动作给搬的动作添加更多层次维度。 第九法则 时间控制 "Timing" 这个法则说明人物个性和动画本质在很大程度受每个主要动作间使用的帧数影响。基本上如果你在两个主要姿势中间有许多张紧密挨在一起,动作会非常慢。如果有几张相距甚远, 动作会非常快。越少的画意味着越快,越多的画意味着越慢。 电影的标准帧速率是24帧每秒,如果每一帧都有一幅画,每秒24幅画则为一拍一;如果每两帧一幅画则为一拍二;每三帧则为一拍三,以此类推。由于某些原因,一拍二比一拍一更常用。首先,一拍二将工作量减掉一半;其次,相比一拍一,一拍二让慢动作更顺畅,因为在两个很接近的画之间加中间张会导致动画抖动。一些人说一拍二也对快动作更好,因为给我们动画灵气和精神,否则用一拍一就时间太平均,不够活泼生动。但一拍一对于需要被观察到的快动作,如打斗或一连串活动很有必要。在姿势之间加多少画都依个人选择,一些人对帧数的选择多少取决于运动的多少,这可以让动画更有动态效果。 第十法则 夸张 "Exaggeration" 基本上每个动作、造型,和表情都可以进一步加强,以增加给观众的印象。迪士尼早期动画师会感到困惑,因为华特告诉他们添加更多的真实感,但当他们修改后他会批评结果不够夸张。在华特看来(真实与夸张)可能没什么不同,逼真不意味着让物理和比例更接近现实,而是让想法或动作更加明显真实。如果一个角色很伤心的话,让他更伤心;开心的话,让他更开心;担心的话,让他更忧心忡忡;疯狂的话,让他更野。 夸张不意味着更多的扭曲,而是更具说服力。当运动很快时,夸张的手法要更大一些以引起人们注意,这一静止帧看上去过分夸张一点也不逼真,但当你播放,在运动中看上去就没那么过分了。为了彰显它的存在,你可以让他在屏幕的时间更长一点或者让它更极端,由于很难断定需要夸张的程度是多少,一个好办法是先把夸张做到过犹不及,然后回过头来修改,直到满意为止。这样你就可以事先看到整个范围,而不用在黑暗中摸爬滚打。 第十一法则 扎实绘图 "Solid Drawing" 这个法则是要确保形体看上去像在有体积、重量和平衡的三维空间中。如果能够从各个角度画出角色,动画会变得容易很多,这需要有三维透视画法的知识。举个例子:当你画球体的一条线,线必须在球体轮廓表面上,直线会立马让圆圈看上去很平;画立方体的时候,避免画平行线,线应该弯向消失点,否则看上就是个扁平标志或标识;给角色画草图轮廓的时候,使用如球体、立方体和圆柱体的基本立体形状去塑造角色,而不是用圆圈、正方形和矩形。这会帮你注意到他们所在的空间。(这个方法可以使你避免画出右边那种平面化的造型。)另一件你可以做的事情就是在地面画透视线。追踪他们到摄像机的距离,以便知道什么时候该画大或画小;当给角色做干净线条的时候,要十分留意重叠,并尽可能加进来。另一个注意点是画线的时候避开对称 ,对称线看着很平,试试用一对曲线组成直线或是偏移两条曲线,让它看上去更加自然动感。 第十二法则 吸引力 "Appeal" 基本上你给角色做的动画应该要在某种程度上吸引人去看,它们应该有能惹人喜欢的超凡魅力。这不仅适用于故事主角,也适用于反派角色和其他角色。吸引力并不总是意味着好看,也可以意味着有趣。从看上去有趣来说,坏人应该是惹人喜欢的,令人费解的棘手问题是每个人对吸引力有不同的标准。然而只要给你的角色一个有活力的设计,就可以极大地提高它的吸引力。这里有三个步骤:首先,使用大量的几何形状。与其为每个角色用同样的形状,不如尝试不同形状。因为角色能够拥有的疯狂外形没有限制。每个好的角色设计都从一个清晰的形状开始。第二,玩转比例。 卡通画家经常夸大我们觉得有趣的事情并缩小我们觉得丑陋或无趣的地方。 举个例子,他们可能放大头部和眼睛,收缩身体,把手放大。找到能定义角色个性的方面,之后重点表现,经常可以创造更有吸引力的设计。第三,最简原则。 过多的信息会让角色复杂化,并且做起动画更难更受限。这是一个插画和动画的区别,你必须对动画角色的细节进行筛选保留,因为你会画数百次这些细节。通过使用这些方法,的确可以立即使角色生动起来!下面是学术趴独家翻译视频完整版。详细的讲解和案例分析,在视频中会更加丰富和清晰哦! (转载自动画学术趴)世界级的动画师和视觉特效艺术家,3D计算机动画的先驱之一,前迪士尼2D动画部门副总裁James Varabkanich拥有40年的工作经验,新快猫学院推出了他主讲的课程《动画角色设计的思维与创作》,目前正在预售特惠中在这门课程中,James老师通过多年的行业经验设计了一套循序渐进的学习方法:从角色的整体设计到局部创作,从角色的最初构思到个性表达,从静态的角色到动态的展示等,让同学们充分理解和学习如何掌握角色设计的技巧和原理。James老师将重点讲述迪士尼动画师在角色创作过程中的思维模式和创作方法。角色设计不同于绘画临摹,更要懂得创作的根本逻辑和方法,加上持之以恒的练习,相信每个人都可以成为出色的角色设计师!课程试听

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